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Branche
de l’école russe d’acteurs, le théâtre musical tire ses ressources
d’une tradition chantée fortement ancrée dans la vie populaire. Associant le
texte à une partition, il aspire à la symbiose organique des matériaux
dramatique et musical.
Le
théâtre musical est enseigné au GITIS, l’académie d’art dramatique la
plus prestigieuse de Moscou. Il découle des dernières recherches menées par
Stanislavski, au sein de son studio musical. Passionné d’opéra, Stanislavski
s’est beaucoup intéressé aux questions de l’interprétation lyrique. En
retour, ses recherches sur le tempo-rythme visaient à développer chez
l’acteur de théâtre un plus grand sens de la musicalité intérieure du rôle.
En ce sens, Stanislavski a rejoint Meyerhold. L’approche
rythmique et musicale du rôle permet d’emblée de ne pas s’en tenir au sens
littéral des mots. Pour autant, le travail ne néglige pas l’analyse du
texte. Le théâtre musical russe a ainsi recours à une démarche de création
spécifique qui le distingue de l’opéra-comique ou de la comédie musicale. Il
s’agit tout d’abord de préciser pas à pas les intentions de chaque
personnage pour éclairer ce qui se joue, entre les mots. Au fil des situations,
on détermine ainsi les objectifs poursuivis par les différents protagonistes,
ce qui conduit à déterminer respectivement leur ligne d’actions physiques.
Or, toute action, même la plus infime, engage le corps dans un certain type de
tension. Selon la nature de l’événement rencontré, le cœur bat plus ou
moins vite. Et toute modification de l’état intérieur entraîne un
changement de rythme. On
en vient à parler de musique intérieure. Son écriture est concrète, elle
peut se chanter. On orchestre ainsi la trajectoire de chaque rôle en fonction
de l’évolution dramatique d’ensemble.
J.F. Dusigne |
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L’exploration
d’Oncle Vania s’appuiera
sur une analyse en profondeur des thèmes ; l’étude du mouvement
dramatique conduira à l’élaboration commune d’une partition
musicale. Créant une atmosphère autour de l’œuvre de Tchékhov, la
musique pourra aussi prendre sur elle une part de la tension dramatique
ou agir en sous-texte. Sa composition tentera ainsi de susciter une
compréhension nouvelle de l’action et de la présence scénique, ce
qu’un chanteur d’habitude n’aborde pas. La
recherche de la meilleure conjonction entre émission vocale et action
physique conduira à valoriser la coloration du son, à s’imprégner
des sensations du rythme, à prendre conscience de la plasticité du
mouvement, à se rendre plus réceptif aux différents modes de rapport
au partenaire, à l’espace, au temps. On
mesurera dès lors combien toutes les structures dramatiques
correspondent chez Tchekhov à une forme musicale, notamment la sonate. En
tenant le rythme du rôle, en chantant ses états d’âme, l’acteur
est guidé par le souffle intérieur de son personnage. L’enchaînement
des actions, leur pulsation selon un tempo-rythme bien précis aide à
imprégner le parcours émotionnel dans la mémoire du corps. |
